Max Corbacho, The Ocean Inside

(ad21, 2012)

Este disco, el primero de Max Corbacho que ha llegado a mí, es una obra de artesanía. Quiero decir con eso que me parece un trabajo que, recurriendo a un lenguaje más o menos definido, el de una tradición musical que pervive en el tiempo y evoluciona a través de diversos artistas, con influencias y orígenes más o menos claros (el ambient espacial de Steve Roach), resulta una obra destacada por su excelencia. Excelente por su calidad y su unicidad, porque rebosa creatividad y brilla con luz propia.

The Ocean Inside es un título que describe muy adecuadamente la música que esconde esa portada tan azul. Hay un océano insondable dentro de cada uno de nosotros. Esta música suena a un viaje a través de ese océano, a una inmersión en sus profundidades cada vez más oscuras, hacia esa luz misteriosa que brilla en el fondo. También podría muy bien ser imaginada como un viaje por el espacio exterior, o por los abismos desconocidos del mundo onírico. Las imágenes pueden variar, pero se trata en el fondo, sin duda, de un viaje por ese espacio que solemos percibir como interior. Este disco parece querer expresar algo de esa realidad con sus profundas atmósferas sonoras.

Mientras escuchas el primero de los dos discos del doble álbum, vas adentrándote en ese océano interior, cada vez más profundo y más lejos de la superficie, de la mano de armonías mágicas y ondas luminosas, hacia la oscuridad del fondo. Una gran sorpresa aguarda en la última etapa: "Towards the Bottomless Sea" es una joya del drone contemporáneo: cerca de media hora de calma expansiva a base del juego con una melodía simple y certera que se repite de forma misteriosa e hipnótica, atrayéndote desde el oscuro fondo del océano, un dejarse mecer en leves corrientes submarinas, un irse dejando caer más y más profundo en un estado de sueño y abandono, en el juego de sus notas, de conmovedora y pacífica belleza. Es, tal vez, el tema menos cósmico y más meditativo del álbum. Como si acabaras de atravesar un umbral, el segundo disco te adentra en diversas regiones jamás exploradas, oscilando entre la luz y las tinieblas de reinos submarinos más allá de la imaginación, hasta desembocar en la otra pieza larga de la colección y conclusión del viaje: "Deeper Into the Ocean", un baño del alma en un mundo acuático, azul claro y cristalino, en cuyas límpidas sonoridades te puedes dar el gusto de flotar y bucear en suave y beatífica paz.

Tras el impresionante trabajo de capas de sonido y texturas límpidas que el artista despliega con maestría a base de sintetizador, se nota una intención meditativa y un mensaje claro en la mente creativa. Tal vez por ello, resulta tan satisfactorio. Es un viaje de rumbo desconocido que te atrapa, que va ganándote a cada escucha con su profunda riqueza de detalles, sus pasajes sutilmente memorables, su belleza. Es también una grata sorpresa, por descubrirme a un artista español que ha hecho suyo un lenguaje, el de este maravilloso género musical de las atmósferas y el espacio, que está explorando el universo con tal maestría e inspiración. A disfrutar del viaje.

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This album, the first I've heard from Max Corbacho, is a work of craftsmanship. I mean, I find it a work that uses a more or less defined language and follows a musical tradition that survives and evolves in time through several artists, with more or less clear influences and origins (the space ambient from Steve Roach), and it is also an outstanding work for its excellence. It is excellent because of quality and uniqueness, because it shines with creativity.

The Ocean Inside is a very fitted title for the music hidden by that cover, so blue. There is a really deep ocean within each of us. This music sounds like a journey through this ocean, like an immersion into the dark depth, down to that mysterious light shining in the bottom. It could also well be imagined as a journey through outer space, or to the unknown depths of the dream world. Images may vary, but it is indeed, no doubt, a trip to this space we usually perceive as inner. This album seems to express something of that reality with those deep soundscapes.

While listening to the first of the two discs of this double album, you go and enter into that ocean inside, deeper and further away from the surface, by magical harmonies and light waves, down to the darkness of the bottom. A big surprise awaits in the last stage: "Towards the Bottomless Sea" is a gem of contemporary drone: about half an hour of expansive calm by playing with a simple and accurate melody which repeats in a mysterious and hypnotic way, attracting you from the dark ocean floor, like letting yourself rock in mild underwater waves, like leaving yourself, deeper and deeper into a state of sleep and abandonment, in the game of those moving and peacefully beautiful notes. It is, perhaps, the less cosmic and more meditative piece in the album. As if you just crossed a threshold, the second disc takes you into some never explored regions, ranging between light and darkness of underwater realms beyond imagination, until you come to the other long piece of the collection and conclusion to the journey: "Deeper Into the Ocean", a bath for your soul in a watery, crystal clear blue world, whose limpid sounds you can freely float and dive to in soft beatific peace.

Behind that impressive work of sound layers and limpid textures masterfully unfolded by the artist and his synthesizers, there seems to be a meditative intention and a clear message from the creative mind. Perhaps for this reason, it is so satisfying. A journey to unknown destination that gradually wins you by its deep rich details and subtly memorable passages, by this beauty. Also a pleasant surprise, for it unfolds me a Spanish artist who speaks this language, this wonderful musical genre of atmospheres and space, who is exploring the universe with such skill and inspiration. Let's enjoy the journey.

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Autechre, Untilted

(Warp, 2005)

Con este disco, los amantes de la percusión intrincada podrían estar de enhorabuena, porque esto es una fiesta de soniditos y golpecitos, campanitas y toda clase de superficies (físicas o virtuales, qué importa) tocadas con ritmos extraños, intensidades diversas y una variedad indefinida de texturas, sonidos, y distintas profundidades en la escena sonora que desencadena con unos buenos cascos o altavoces. Más que escena sonora, esto es un ecosistema de beats, tan diversos e imprevisibles que parecen manifestar porciones de realidad (¿física, mental, emocional?) en un lenguaje nuevo y fugaz, ese lenguaje en constante evolución que tal vez sea el motor, o uno de los motores creativos del proyecto Autechre.

La maestría con el ritmo adquirida por el dúo electrónico impresiona. Manejan los beats con un gran sentido de la proporción y la medida, en ese sentido me encanta su juego con la aceleración en "Ipacial Section", pero en todas las pistas hay imaginación, creatividad y buen gusto, dando lugar a una IDM de primer orden, si esa etiqueta le cuadra a esto, una fiesta rítmica que pasa del caos a la calma pasando por cientos de juegos diferentes (¿tiene algo que ver con el dubstep eso que asoma tímidamente al final de "Augmatic Disport"?). Pero no todo son beats aquí. Hay una cualidad melódica que tal vez no se haga evidente a la primera escucha. Son melodías sintéticas con un claro contenido emocional, luchando a veces por hacerse oír, por emerger entre el maremágnum de ruiditos en el que se van integrando. En la mayoría de los casos, sin embargo, parecen haber sido deconstruidas hasta resultar casi irreconocibles, manteniendo empero cierta sutil presencia aquí y allá que revela que hay seres humanos detrás de esto. Y hay un ambient sutil, que casi no se deja notar, pero que destaca especialmente en dos puntos: como respiro frente a la locura percusiva al final de "Fermium" y precediendo a "The Trees", y por otro lado en "Sublimit", semienterrado y luego subterráneo pero contando con un claro potencial conmovedor, como tono emocional en sustrato de la frenética actividad mental de la superficie.

¿Qué hacen Autechre aquí? O mejor dicho, ¿qué me transmiten en esta etapa? Más que un viaje de ciencia-ficción, como en Quaristice, es posible que Untilted explore más bien el juego con el sonido y el ritmo en sí, en ese sentido llevando las posibilidades de la música electrónica experimental hasta los límites, si es que los hay. Está claro que este disco me habla más a la mente analítica que los posteriores. Pero no es un producto frío de la racionalidad llevada al extremo, vacío de contenido emocional, como hemos visto, y su dimensión emocional es tal vez tan compleja y profunda como el armazón instrumental que la exhala, la medio oculta y la manifiesta, a veces por cierto con un sorprendente toque siniestro, como en "Iera". Ni tampoco sacrifica la musicalidad ni la sensibilidad del oyente con una excesiva agresión ruidista, resultando un disco coherente cuya escucha puedes disfrutar y repetir en busca de nuevos detalles.

warp

Candlemass, Psalms for the Dead

(Napalm, 2012)

Desde la primera vez que escuché a Candlemass, he asociado su sonido con la idea que tengo de lo que es el Heavy Metal, el original, el clásico. Es cierto que no sé apenas nada del Heavy de los 80, pero en esto no importa porque no pretendo ser objetivo: los primeros discos de Candlemass suenan, en mi experiencia, al Heavy Metal, tal como siempre lo he concebido. Podría decir, sin salir del marco de mi experiencia personal, que Candlemass es el Heavy clásico, pero digamos mejor que es mi banda favorita de Heavy clásico.

Y eso, por Crom, es lo que hay en este disco: Heavy clásico oscuro y contundente, con alternancia de partes lentas y rápidas, geniales solos de guitarra y tramos instrumentales, una voz tremenda y expresiva, estribillos pegadizos, letras de fantasía... Es decir, el Doom original de Candlemass, iniciadores de la tradición y primeros guardianes de la llama sagrada: "We are the guardians of the purple flame", cantan en "Prophet". Posiblemente destacan algunas canciones sobre otras, especialmente "Prophet", "Dancing in the Temple (Of the Mad Queen Bee)", "The Lights of Thebe", pero hay calidad en todo el disco, y cada canción tiene su atractivo o su pasaje interesante. Un disco que recuerda poderosamente, tanto en su sonido como en sus estructuras, a ese Heavy oscuro de fantasía, a ese Doom tradicional, de principio a fin, cosa que es muy de agradecer. Esta vez, Candlemass ya no han tratado de sonar modernos y agresivos, como me pareció notar en el por otra parte estupendo Death Magic Doom, sino que han vuelto a los orígenes, con todas las consecuencias, recuperando ese alma de sus primeros discos en uno que bien podrían haber hecho en los 80. Este sabor clásico se ve incrementado por un uso muy retro y delicioso de teclados, incluido ¡ese hammond! La voz de Robert Lowe suena impresionante, y por primera vez creo notar un eco claro a su trabajo en Solitude Aeturnus, concretamente al final de "Prophet".

Candlemass se despiden en "Black as Time" (si es que esto es una despedida) con una lección magistral sobre el tiempo, la muerte, y la vida, que seguramente todo amante del Doom sabrá apreciar y recibir con una sonrisa. Si lo es, es una despedida de lujo, con un disco notable que, lo más importante, retorna a las raíces y sabe a clásico, dejando muy buen sabor y un buen testimonio de la brillante carrera de esta gran banda. ¡Larga vida a Candlemass!

Autechre, Quaristice

(Warp, 2008)

Empieza frío y urbano en "Altibzz". Urbano porque me hace imaginar que vago por la ciudad, solo, un sábado por la noche. La sensación de oscuridad y aislamiento continúa en las siguientes pistas, pero uno deja atrás la ciudad y se adentra en un abismo mental, o computacional, de mensajes indescifrables. Diálogos misteriosos entre hombres y máquinas, engranajes mecánicos que tal vez sean meros símbolos formales de conceptos metafísicos, siempre la voz humana tratando de decir algo, deconstruida, perdida entre ecos, percusiones autoconscientes tratando de decirnos algo, perdidas entre sí. Eso es. Los ruidos de Autechre saben que están ahí y tratan de decir algo. Voy a ver si entiendo... En "Simmm", el viaje se vuelve más amable al principio, sus artífices juegan con nosotros presentándonos algo que se acerca más a nuestra idea de la música, pero en seguida irrumpe ese caos vivo de reflejos multiformes, y a veces la claridad de un ambient cósmico inesperado, que aparece en ondas. Estamos ya muy lejos de casa, aquí. Disfrutemos del viaje.

dum... dum... dum dum... dum... ¿Pero qué es esto? No tengo ni idea. Pasa el tiempo (o avanzo en el espacio, no lo tengo muy claro) y la música empieza a volverse un espacio tridimensional y miro a mi alrededor. "rale" narra mi paso por la Ciudad de las Máquinas, muy atareadas preparando la invasión de Zion. Pero todo pasa, y vientos cósmicos iracundos me arrastran a algún otro lugar. ¿A dónde? No-lo-sé. Para cuando me dejan en tierra, no me importa, porque hay una fiesta de chispas bailarinas que me invitan a bailar. No pensé que perdería mi cuerpo, pero aquí estoy, convertido en chispa, familiarizándome con el verdadero sentido de la palabra electrónica. A partir de ahí, el viaje se hace muy confuso para mí, porque soy trasladado como energía a través de un complejo de cables enmarañados que ni siquiera tienen entidad física.

Tras dar vueltas por mundos diversos donde la vida orgánica y la vida artificial se vuelven indistinguibles la una de la otra, algo acaba alineando de nuevo la realidad urbana, y me encuentro otra vez vagando por la ciudad, pero algo ha cambiado. Me he traído la oscuridad conmigo. Las formas han ganado una información nueva a mi alrededor. ¿Sigo siendo humano?

Autechre, ¿abstracto, intelectual? No sé. Aquí al menos, lo que hay es un viaje a otros mundos, imaginarios e interiores. Alienígenas, sí, pero susceptibles de ser imaginalmente procesados, disfrutados.

warp

Beru, Fire Eyes Gather Souls

(Digitalis, 2012)

Hace unos meses le eché una escucha, por mediación de un amigo, a una cinta titulada Daughter of Eve. A él le hizo soñar con historias de sirenas bajo el mar, pero conmigo, en aquel punto, la magia no funcionó. Ha sido con esta maravilla donde la conexión se ha establecido.

Desde el principio, la voz de Beru me introduce en un mundo onírico, subacuático y espectral de sirenas e historias de amor envueltas en penumbra. Guitarras eléctrica y acústica, notas y ambientes sintéticos, coros celestiales, ocasionales ritmos electrónicos, cuerdas y demás instrumentos, ruidos y efectos varios, sonidos del mar, y por encima de todo el encanto invencible de su voz de sirena, forman un collage sonoro que juega con la confusión y la paz, la distorsión y la belleza. La etiqueta doom metal aparece en su bandcamp y para nada se me habría ocurrido adjudicársela, pero algo de eso hay, aunque muy asumido e integrado en algo totalmente diferente, más cercano al folk mágico, el pop onírico y el drone.

Esta música increíble es como una pintura surrealista y oscura que invita a perderse en la profundidad oculta en sus detalles, que de hecho te lleva de viaje a otro mundo en cuanto atrapa tu atención con sus ecos lejanos. Ahora mismo, lo más bonito del mundo es la voz de Jessica Collins cantando te quiero y envolviéndome en su abrazo para llevarme flotando a un sueño de imágenes misteriosas y melodías conmovedoras.

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A few months ago I listened to a tape called Daughter of Eve, thanks to a friend. It made him dream of stories about mermaids under the sea, but at that point the magic didn't work to me. With this wonder, though, the connection is established.

From the beginning, Beru's voice introduces me into a dreamlike, underwater, spectral world of mermaids and love stories in half-light. Electric and acoustic guitar, synthetic notes and environments, heavenly choirs, occasional electronic beats, strings and other instruments, noises and effects, sounds of the sea and, above all, the invincible charm of her mermaid voice, all of them form a sound collage in which the game is about confusion and peace, distortion and beauty. Although I'd never thought of tagging it as doom metal, as seen in her bandcamp, there is indeed some of it here, but very integrated into something completely different, closer to magical folk, dream pop and drone.

This amazing music is like a dark surrealist painting, that invites you to loose yourself in the depth hidden in its details, actually it takes you travel to another world just when its distant echoes grab your attention. Right now, the most beautiful thing in the world is the voice of Jessica Collins singing I love you and embracing me to take me floating to a dream of mysterious visions and moving melodies.

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[publicado primero, en español, en microphones in the trees.]

Sawi Lieu, Fluorescence

(Experia, 2012)

Me encantan esos discos que parecen narrar historias sin palabras, porque uno puede imaginar sin límites lo que los sonidos, en su juego de luces asombroso, le sugieran. En este breve cuento de colores brillantes, el narrador e ilustrador se llama Sawi Lieu y es un músico de Indonesia que juega en ese diálogo entre mundos de ayer y hoy. Su viaje fragmentario de viñetas recortadas y pegadas a modo de collage empieza accidentado, acelerado como la vida moderna pero, tras hacernos pasar por una abducción extraterrestre, desemboca en cálidos y calmos paisajes astrales donde asistimos a meditaciones guiadas por algún ser luminoso que, llegado el momento, toca la campana.

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I love those albums that seem to tell stories without words, because you can imagine without limits whatever the sounds, in their amazing play of light, suggest you. In this bright coloured short tale, the name of the narrator and illustrator is Sawi Lieu and he's a musician from Indonesia who plays in the dialogue between past and present worlds. His fragmentary trip of vignettes cropped and pasted as a collage begins as rugged and accelerated as modern life, but after taking us through an alien abduction, it arrives to warm and calm astral lanscapes where we attend meditations guided by some being of light who rings the bell when the time comes.

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[publicado primero, en español, en microphones in the trees.]

Stag Hare, Spirit Canoes

(Inner Islands, 2011)

Es difícil describir lo bonito, vivo y agradable que es este disco. Dentro de los límites temporales en que se desarrolla, es una armonía interminable. Transmite paz, alegría y bienestar, con esas melodías simples repetidas en bucles vivos que no cansan nunca, en un marco ambiental donde la repetición y la variación se unen en una sutil jam hipnótica que nunca pierde la orientación a la luz y el sentirse bien.

Debe de haber pocos discos tan totalmente comprometidos con la eufonía y la armonía como este lo está. Stag Hare se sirve de sonidos de agua, cantos de pájaros y demás nature recordings, delicias percusivas de metal y madera interpretadas por el viento, drones electroacústicos que vibran en altas frecuencias de felicidad e intención positiva, guitarra, flauta, un folk y una electrónica que celebran la luz y la nueva conciencia, una especie de fiesta ambient de paz y amor en un paraje salvaje. Parece demasiado bonito para ser cierto, ¡pero es! Todos esos trazos del Paraíso que asomaban en las guitarras reverberantes de los Animal Collective de Feels o en los paisajes electroacústicos de Mountains, están aquí ampliados y explorados para goce de nuestros sentidos.

El sonido de Spirit Canoes es, desde que entra el primer ritmo en medio de los sonidos de la naturaleza, la manifestación de un gozo auditivo que esperas que nunca acabe, y afortunadamente no acaba y sigue expandiéndose en calma, acariciándote, acompañándote con su juego rítmico, disfrutando contigo y armonizando el espacio al desplegarse en el tiempo. Un sonido que evoca paisajes naturales ensoñadores, de belleza exuberante, que tal vez sólo existan en el reino de la imaginación, pero que vibran con la vida de esos escenarios paradisíacos bien presentes de nuestra madre Tierra. Es muy de agradecer que haya músicos abriéndose a esos espacios interiores de los que surge esta música. Música verde para danzar en el Paraíso.

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It's hard for me to describe how beautiful, how alive and pleasant is the music in this record. Within the time limits in which it develops, it is an endless harmony. It transmits peace, joy and happiness, with those simple melodies repeated in living and never bored loops, in an environmental framework where repetition and variation are joined in a subtle hypnotic jam, never losing their orientation to light and positive feelings.

There must be very few albums, I guess, so totally committed to euphony and harmony as this is. Stag Hare uses watery sounds, bird calls and other nature recordings, as well as metallic and wooden percussive delights played by the wind, electroacoustic drones vibrating at high frequencies of happiness and positive intention, guitar, flute, folk and electronic music celebrating light and new consciousness, a sort of ambient party of peace and love in a wild place. It sounds too good to be true, but it is! All these glimpses of Paradise which appeared in those reverb guitars from the Animal Collective of Feels or in the electroacoustic landscapes from Mountains, are here expanded and explored for our senses to enjoy.

From the very first beats amid the sounds of nature, Spirit Canoes sounds like the manifestation of an aural joy that you hope will never end, and fortunately it just keeps expanding in calm, caressing you, accompanying you with its rhythmic play, harmonizing the space, enjoying with you while unfolding in time. A sound that evokes dreamy landscapes of lush beauty, perhaps only existing in the realm of imagination, but indeed vibrating with the life of these paradise-like landscapes, really present on our mother Earth. It is very appreciated that there are these musicians opening themselves to the inner places from which this music comes. Green music to dance in Paradise.

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resumen musical de 2012

Aunque no he escuchado una gran cantidad de discos de este año como para hacer algo parecido a un resumen objetivo, es divertido compartir unos pocos de esos que me han acompañado durante los últimos doce meses. Como siempre ocurre, seguramente descubriré discos geniales del 2012 en los próximos meses, a través de recomendaciones y listas de otros, por lo que esta lista no es de ninguna manera definitiva, ¿cómo podría serlo? A finales de diciembre es aún muy pronto para dar una visión un poco completa, aunque sea de forma totalmente subjetiva, del año en música. Pero está bien jugar al juego y dejar aquí, a modo de impresión, los gustos del momento.

¿Cuál podría ser el disco del año? No sé si es una pregunta tonta, pero ya que estamos jugando a esto, digamos que tiene muchas posibles respuestas. Si el disco del año es el que más profundo me ha llegado por lo que comunica, la cosa estaría entre el de Árbore y el de Ashan. Si es el que más he escuchado y me ha hecho soñar, sería el de Mirrorring. Si hablamos del que más me ha impresionado técnica o compositivamente, sería el de Spires That in the Sunset Rise, o el de Änglagård.

No obstante, si tuviera que elegir uno en este momento, tendría que ser el de Ashan. Quizá por ser el último que he descubierto, pero estoy especialmente conmovido por las vibraciones de paz y amor que transmite.

Por otra parte, si contara las reediciones, el disco del año tendría que ser, sin duda, la reedición en CD que sacó Fonal de On Seafaring Isolation de Dolphins Into the Future, esa maravilla de ambient retro con delfines y sonidos del mar, precioso, placentero, relajante y evocador, que es además el que más he escuchado (despierto o dormido) durante este 2012.

Igualmente tengo que mencionar otro disco maravilloso que, por haber salido en diciembre de 2011, no he incluido en el top 10. Se trata de Beyond & Between, de Daniel Higgs (publicado por La Castanya), un músico fascinante cuyo descubrimiento supone uno de los elementos fundamentales de mi año musical.

En cuanto a conciertos, el de Daniel Higgs en Arrebato y el de Phaedra en la sala Joaquín Roncal (ambos en Zaragoza) fueron experiencias fuera de lo común.

Vamos con la lista.

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~ TOP 10 ~

Estos son los diez discos que me gustaría destacar y recomendar especialmente, en orden alfabético.

Änglagård, Viljans öga

(Anglagard Records)

El retorno de los legendarios Änglagård es, de nuevo, una joya de rock progresivo instrumental, no sólo a la altura de sus dos únicos discos anteriores, lanzados en los 90, sino que incluso me gusta bastante más. Apabullante en lo técnico y en lo compositivo, es una sinfonía en cuatro actos que parece contar historias épicas y fantásticas, repleto de pasajes memorables y siempre sorprendente, creativo y transportador. Una obra de arte. [read ~ listen]

Apenino & Árbore, Animals Are Not Things!

(microphones in the trees)

La nueva colección de canciones de Rafael Romero (aka Árbore), esta vez colaborando de nuevo con Apenino y con la voz de Mónica Vacas en un par de temas, es una preciosidad que transmite algo de veras bello y profundo en sus composiciones de guitarra folk, siempre cautivadoras, vivas y brillantes, acompañadas de grabaciones de la naturaleza y con una intención amorosa para con los animales. [read ~ listen]

Ashan, To Return To

(Inner Islands)

Otro disco que transmite amor, calma y belleza por todas partes, y uno de los descubrimientos más impactantes del año. Una colección de cuatro canciones largas de folk espiritual y tranquilo que sorprende por su fuerza y por las buenas vibraciones que transmite a través de sus palabras y sus sonidos, que fluyen juntos al corazón del oyente cargadas de magia y energía. [read ~ listen]

Beru, Fire Eyes Gather Souls

(Foxy Digitalis)

Una cinta sorprendente, por revelar a una artista (Jessica Collins) muy interesante y creativa, que juega con distintos estilos para crear algo imaginativo y extraño, un collage experimental a medio camino entre el dream pop, el doom y el folk psicodélico, con el denominador común de su preciosa voz y la sensibilidad femenina y onírica que imprime a esas composiciones progresivas que te adentran en mundos mágicos y exuberantes. [read ~ listen]

Bong, Mana Yood Sushai

(Ritual)

Impresionante grabación de dos largas improvisaciones mántricas en clave de un doom metal psicodélico casi instrumental y de sabor oriental, en modo drone lento y meditativo, con un sonido denso y limpio a la vez, oscuro, mágico y misterioso, que recuerda a un raga indio en su despliegue progresivo e hipnótico. De lo mejor y más excitante que he oído en su estilo. [listen]

Brian Eno, Lux

(Warp)

Por fin Brian Eno ha vuelto al buen ambient tras unos años dedicándose a otras cosas. Este disco está a la altura de algunos de sus grandes y famosos trabajos en este género que ayudó a crear. No sólo evidencia la competencia artesanal de su autor, su maestría y experiencia como demiurgo de atmósferas sonoras, sino que es una auténtica belleza de disco, relajante, contemplativo y evocador. [read ~ listen]

Jüppala Kääpiö, Animalia Corolla

(Omnimemento)

Detrás de esa portada hay un mundo exuberante de vida natural y mágica expresado en drones, melodías y atmósferas recargadas con montones de instrumentos acústicos y grabaciones de la naturaleza, que crecen y se desarrollan como un ecosistema sonoro con miles de detalles y un tono emocional entre alegre y asombrado, todo mezclado por una suiza y un japonés que viven en Bélgica pero podrían ser finlandeses o, mejor, seres feéricos infiltrados en el mundo mundano. [read ~ listen]

Mirrorring, Foreign Body

(Kranky)

El disco que más he escuchado de esta lista. Una colección redonda de canciones de gran belleza, de tono somnoliento e intensamente emocional, a medio camino entre el folk psicodélico, el pop onírico y el ambient, que se van desplegando entre ecos y niebla como las escenas de un sueño surrealista y etéreo. [read ~ listen]

Motorpsycho & Ståle Storløkken, The Death Defying Unicorn

(Rune Grammofon)

El otro gran disco de rock progresivo del año. Motorpsycho, una magnífica banda de rock progresivo/psicodélico, se alía con el teclista y compositor Ståle Storløkken y una orquesta de jazz... El resultado es una impresionante obra de rock progresivo sinfónico que, sin alejarse demasiado de los cánones clásicos setenteros, no cae en la mera repetición de lo retro, sino que suena sorprendentemente actual y vivo, llevándote a un viaje fílmico que vibra con la fuerza y la calidad de su impresionante diálogo entre la banda de rock y los arreglos orquestales del compositor. [read ~ listen]

Spires That in the Sunset Rise, Ancient Patience Wills It Again

(Hairy Spider Legs)

Este tipo de música transmite un misterio y una magia únicos, que de vez en cuando se manifiesta en obras de arte como esta. Una colección de canciones impresionantes con una instrumentación rica y asombrosa, fluye de principio a fin en calma y penumbra trayendo a la imaginación escenas oníricas de otros mundos, aportando algunos de los momentos más bellos y transportadores del folk mágico y de la música en general de este año. [read ~ listen]

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~ THE REST OF THE LIST ~

Y otros discos que también he disfrutado o reseñado durante este año, en orden alfabético también:

 Deadbeat, Eight
Dead Can Dance, Anastasis

Deerhoof, Breakup Song

Taylor Deupree, Faint
The Flower Kings, Banks of Eden

Daniel Higgs, The Measure of Mystery

Sawi Lieu, Fluorescence

Lone, Galaxy Garden

Lumerians, Transmissions From Telos Vol. 4

Mouse on Mars, Parastrophics

Natural Snow Buildings, Beyond the Veil

 Oliwa, Rituals
Panabrite, Soft Terminal

Steve Roach, Back to Life

Tame Impala, Lonerism

Windy & Carl, We Will Always Be

Más listas interesantes donde explorar en busca de tesoros ocultos: la de Ana en microphones in the trees, las de The Liminal, textura, Boomkat, Weed Temple, ...

A todos los artistas y a todos los sonidos que aparecen en esta lista, ¡gracias por vuestra compañía! Se agradecen comentarios, críticas, sugerencias o recomendaciones de tus favoritos en los comentarios.

 feliz
y
luminoso
año nuevo

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Ashan, To Return To

(Inner Islands, 2012)

Madre mía. Eso fue lo primero que pude decir la primera vez que escuché este disco fugazmente, hace unos meses. Ahora que por fin le he dado el tiempo que merecía, empiezo a comprender aquella reacción, porque se ha expandido, y se sigue expandiendo, como las ondas de calidez que irradia esta música.

Desde la preciosa portada a modo de tapiz floreado, desde el poderosamente sugerente título, tan de este año (pienso en "Return" de Daniel Higgs, incluida en su The Measure of Mistery), desde la campana que suena al principio en medio del silencio, como anunciando una sesión de meditación, todo prepara para un canto al amor, a la belleza y al espíritu. Y ese es el perfume que emana este disco, de arriba abajo: amor, paz, belleza, espíritu, gratitud, felicidad. Una invitación a vivir desde el corazón, abiertos a todo, desde el interior. Justo lo que más hace falta en el mundo de hoy, lo que siempre ha hecho falta, pero hoy de forma más urgente que nunca. Creo que la música de Ashan vibra en esa frecuencia espiritual, en fondo y forma, en música y letras, muy breves pero intensamente directas al corazón. Así de importante y profunda es.

Es imposible quedarse con una canción favorita, porque las cuatro son impresionantes. Todas exploran melodías felices a la guitarra con el acompañamiento de diversos instrumentos acústicos, jugando con la repetición para crear un efecto mantra, todo en un marco folk siempre melódico y con cierto regusto a gospel, aunque a veces se sienta como drone. Me da la impresión de que la música de cada una de las canciones suena exactamente a lo que dicen sus letras. "Energy Garden", la más larga, te introduce en la sesión invitándote a abrir tu corazón y a celebrar la vida. "Gentle Magick" continúa en una línea próxima hablando de retorno, de aprender a confiar y aprender a amar. "How Sweetly I Am Loved", el título lo dice todo, es una delicia de canción y alegra el corazón. Y llegamos a la parte que me pone los pelos de punta. "To All That Is". No hay palabras para lo que me hace sentir esta canción. Es, literalmente, emocionante. Ya me derrito cuando entra la flauta, pero la cosa no hace sino llevarte más hondo a aproximarte a lo más auténtico. Las letras, una vez más, breves pero intensamente emotivas y espirituales, directas al corazón, son aquí de gratitud a todo, y de certeza en el amor que nos sostiene. Y eso mismo es lo que me transmite la música.

Ahora mismo, es el disco más bonito del año, un regalo y un destello de esperanza, uno que demuestra que las cosas de las que habla Ashan se están moviendo y están emergiendo para transformar el arte y el mundo. Es una preciosidad de obra de arte, tanto por su mensaje como por su música, pues lo uno es espejo de lo otro aquí, tan perfecta es la adecuación entre espíritu y forma. Escuchen esta maravilla. Al autor, gracias por compartir su luz.

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Oh my goodness! That is the first thing I could tell back in the first time I listened to this album, a few months ago. Having now finally spent the time that it deserved, I'm just beginning to understand that reaction, because it has grown and continues to grow as the warm waves breathed out by this music.

From the beautiful cover as a floral tapestry, from the strongly evocative title, so typical of this year (thinking of "Return" by Daniel Higgs in The Measure of Mystery), from the bell sounding at the beginning in the middle of silence as if were announcing a meditation session, everything here is set for an ode to love, beauty and spirit. And that's the perfume emanated from this entire album: love, peace, beauty, spirit, gratitude, happiness. It's an invitation to live from your heart, open to all, from the inside -exactly what is most needed nowadays, what always has been needed but today more urgently than ever. I think the music of Ashan vibrates at that spiritual frequency both in form and content, music and lyrics, which despite being very brief come intensely straight to your heart. That important and deep it is.

It's no possible for me to choose a favourite song because all four are stunning. All of them explore shiny guitar tunes, along with several acoustic instruments, using repetition to create a mantra effect, all in a folk frame, very melodic and maybe near to gospel, although you can feel it sometimes as drone. I get the feeling that music in each of the songs sounds exactly like what the lyrics are telling. "Energy Garden", the longest, introduces you into the session, inviting you to open your heart and celebrate life. "Gentle Magick" follows in a near field talking about return and learning to trust and love. "How Sweetly I Am Loved", the title says it all, the song is a delight and joy to the heart. And then we come to the part that makes me shiver. "To All That Is". No words for what this song makes me feel. It's really moving. As soon as the flute enters I melt, then the song takes me deeper to the real inside. The lyrics, once again, are brief but strongly touching and spiritual, straight to your heart indeed, talk about gratitude to all, and about faith in the love in which we are hold. And that's exactly what the sounds transmit to me.

Right now this is the most beautiful album of the year, a gift and a glimmer of hope, and it proves that the things spoken by Ashan are there moving and emerging to transform art and reality. It's a gorgeous work of art, because of both content and sounds, being the one a mirror to the other, so perfect is the fit between spirit and form. Please listen to this wonder. To the author, thanks for sharing your light.

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Spires That in the Sunset Rise, Ancient Patience Wills It Again

(Hairy Spider Legs, 2012)

En la oscuridad, con una vela encendida, totalmente entregado a la experiencia. Al igual que con Fursaxa o con Natural Snow Buildings. Así es como esta música me pide que la escuche. Emerge del silencio en forma de sombras y brillos fantasmales, como un portal misterioso a un mundo distinto y total, oscuro y misterioso y desconocido. Llegan sus ecos en forma de un folk que podría ser de seres feéricos, concebido naturalmente como expresión de otra vida posible, mágica, ritual, donde la belleza brilla en la penumbra de bosques profundos, montañas que recortan el firmamento, círculos vivientes danzando con palabras de poder en la boca y la lujuria de la vida en la mirada. Magia, misterio, belleza, caminos infinitos por recorrer, la energía femenina de la madre tierra, sabiduría que emerge del silencio, reconciliación con la abuela muerte. Retorno. Reencantamiento. Uno debería entrar en la experiencia con libertad, dispuesto a encarar lo que venga. Como con todo.

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In the dark, with a lighted candle, totally immersed in the experience. As with Fursaxa and Natural Snow Buildings. That's the way this music demands me to listen to. It emerges from silence as ghostly glows and shadows, as a mysterious gate to another whole world, a dark, mysterious and unknown one. Its echoes come as a kind of folk music that could have been made by fairies, conceived as a natural expression of another possible way of life, a magic, ritual one, where beauty shines in the gloom of deep forests, mountains against the sky, living circles dancing with words of power in their mouths and lust for life in their eyes. Magic, mystery, beauty, infinite ways to walk, the femenine energy of Mother Earth, wisdom emerged from silence, reconciliation with Grandma Death. Return. Reenchantment. You should enter the experience with freedom, willing to face whatever comes. As in everything.

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