resumen musical de 2012

Aunque no he escuchado una gran cantidad de discos de este año como para hacer algo parecido a un resumen objetivo, es divertido compartir unos pocos de esos que me han acompañado durante los últimos doce meses. Como siempre ocurre, seguramente descubriré discos geniales del 2012 en los próximos meses, a través de recomendaciones y listas de otros, por lo que esta lista no es de ninguna manera definitiva, ¿cómo podría serlo? A finales de diciembre es aún muy pronto para dar una visión un poco completa, aunque sea de forma totalmente subjetiva, del año en música. Pero está bien jugar al juego y dejar aquí, a modo de impresión, los gustos del momento.

¿Cuál podría ser el disco del año? No sé si es una pregunta tonta, pero ya que estamos jugando a esto, digamos que tiene muchas posibles respuestas. Si el disco del año es el que más profundo me ha llegado por lo que comunica, la cosa estaría entre el de Árbore y el de Ashan. Si es el que más he escuchado y me ha hecho soñar, sería el de Mirrorring. Si hablamos del que más me ha impresionado técnica o compositivamente, sería el de Spires That in the Sunset Rise, o el de Änglagård.

No obstante, si tuviera que elegir uno en este momento, tendría que ser el de Ashan. Quizá por ser el último que he descubierto, pero estoy especialmente conmovido por las vibraciones de paz y amor que transmite.

Por otra parte, si contara las reediciones, el disco del año tendría que ser, sin duda, la reedición en CD que sacó Fonal de On Seafaring Isolation de Dolphins Into the Future, esa maravilla de ambient retro con delfines y sonidos del mar, precioso, placentero, relajante y evocador, que es además el que más he escuchado (despierto o dormido) durante este 2012.

Igualmente tengo que mencionar otro disco maravilloso que, por haber salido en diciembre de 2011, no he incluido en el top 10. Se trata de Beyond & Between, de Daniel Higgs (publicado por La Castanya), un músico fascinante cuyo descubrimiento supone uno de los elementos fundamentales de mi año musical.

En cuanto a conciertos, el de Daniel Higgs en Arrebato y el de Phaedra en la sala Joaquín Roncal (ambos en Zaragoza) fueron experiencias fuera de lo común.

Vamos con la lista.

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~ TOP 10 ~

Estos son los diez discos que me gustaría destacar y recomendar especialmente, en orden alfabético.

Änglagård, Viljans öga

(Anglagard Records)

El retorno de los legendarios Änglagård es, de nuevo, una joya de rock progresivo instrumental, no sólo a la altura de sus dos únicos discos anteriores, lanzados en los 90, sino que incluso me gusta bastante más. Apabullante en lo técnico y en lo compositivo, es una sinfonía en cuatro actos que parece contar historias épicas y fantásticas, repleto de pasajes memorables y siempre sorprendente, creativo y transportador. Una obra de arte. [read ~ listen]

Apenino & Árbore, Animals Are Not Things!

(microphones in the trees)

La nueva colección de canciones de Rafael Romero (aka Árbore), esta vez colaborando de nuevo con Apenino y con la voz de Mónica Vacas en un par de temas, es una preciosidad que transmite algo de veras bello y profundo en sus composiciones de guitarra folk, siempre cautivadoras, vivas y brillantes, acompañadas de grabaciones de la naturaleza y con una intención amorosa para con los animales. [read ~ listen]

Ashan, To Return To

(Inner Islands)

Otro disco que transmite amor, calma y belleza por todas partes, y uno de los descubrimientos más impactantes del año. Una colección de cuatro canciones largas de folk espiritual y tranquilo que sorprende por su fuerza y por las buenas vibraciones que transmite a través de sus palabras y sus sonidos, que fluyen juntos al corazón del oyente cargadas de magia y energía. [read ~ listen]

Beru, Fire Eyes Gather Souls

(Foxy Digitalis)

Una cinta sorprendente, por revelar a una artista (Jessica Collins) muy interesante y creativa, que juega con distintos estilos para crear algo imaginativo y extraño, un collage experimental a medio camino entre el dream pop, el doom y el folk psicodélico, con el denominador común de su preciosa voz y la sensibilidad femenina y onírica que imprime a esas composiciones progresivas que te adentran en mundos mágicos y exuberantes. [read ~ listen]

Bong, Mana Yood Sushai

(Ritual)

Impresionante grabación de dos largas improvisaciones mántricas en clave de un doom metal psicodélico casi instrumental y de sabor oriental, en modo drone lento y meditativo, con un sonido denso y limpio a la vez, oscuro, mágico y misterioso, que recuerda a un raga indio en su despliegue progresivo e hipnótico. De lo mejor y más excitante que he oído en su estilo. [listen]

Brian Eno, Lux

(Warp)

Por fin Brian Eno ha vuelto al buen ambient tras unos años dedicándose a otras cosas. Este disco está a la altura de algunos de sus grandes y famosos trabajos en este género que ayudó a crear. No sólo evidencia la competencia artesanal de su autor, su maestría y experiencia como demiurgo de atmósferas sonoras, sino que es una auténtica belleza de disco, relajante, contemplativo y evocador. [read ~ listen]

Jüppala Kääpiö, Animalia Corolla

(Omnimemento)

Detrás de esa portada hay un mundo exuberante de vida natural y mágica expresado en drones, melodías y atmósferas recargadas con montones de instrumentos acústicos y grabaciones de la naturaleza, que crecen y se desarrollan como un ecosistema sonoro con miles de detalles y un tono emocional entre alegre y asombrado, todo mezclado por una suiza y un japonés que viven en Bélgica pero podrían ser finlandeses o, mejor, seres feéricos infiltrados en el mundo mundano. [read ~ listen]

Mirrorring, Foreign Body

(Kranky)

El disco que más he escuchado de esta lista. Una colección redonda de canciones de gran belleza, de tono somnoliento e intensamente emocional, a medio camino entre el folk psicodélico, el pop onírico y el ambient, que se van desplegando entre ecos y niebla como las escenas de un sueño surrealista y etéreo. [read ~ listen]

Motorpsycho & Ståle Storløkken, The Death Defying Unicorn

(Rune Grammofon)

El otro gran disco de rock progresivo del año. Motorpsycho, una magnífica banda de rock progresivo/psicodélico, se alía con el teclista y compositor Ståle Storløkken y una orquesta de jazz... El resultado es una impresionante obra de rock progresivo sinfónico que, sin alejarse demasiado de los cánones clásicos setenteros, no cae en la mera repetición de lo retro, sino que suena sorprendentemente actual y vivo, llevándote a un viaje fílmico que vibra con la fuerza y la calidad de su impresionante diálogo entre la banda de rock y los arreglos orquestales del compositor. [read ~ listen]

Spires That in the Sunset Rise, Ancient Patience Wills It Again

(Hairy Spider Legs)

Este tipo de música transmite un misterio y una magia únicos, que de vez en cuando se manifiesta en obras de arte como esta. Una colección de canciones impresionantes con una instrumentación rica y asombrosa, fluye de principio a fin en calma y penumbra trayendo a la imaginación escenas oníricas de otros mundos, aportando algunos de los momentos más bellos y transportadores del folk mágico y de la música en general de este año. [read ~ listen]

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~ THE REST OF THE LIST ~

Y otros discos que también he disfrutado o reseñado durante este año, en orden alfabético también:

 Deadbeat, Eight
Dead Can Dance, Anastasis

Deerhoof, Breakup Song

Taylor Deupree, Faint
The Flower Kings, Banks of Eden

Daniel Higgs, The Measure of Mystery

Sawi Lieu, Fluorescence

Lone, Galaxy Garden

Lumerians, Transmissions From Telos Vol. 4

Mouse on Mars, Parastrophics

Natural Snow Buildings, Beyond the Veil

 Oliwa, Rituals
Panabrite, Soft Terminal

Steve Roach, Back to Life

Tame Impala, Lonerism

Windy & Carl, We Will Always Be

Más listas interesantes donde explorar en busca de tesoros ocultos: la de Ana en microphones in the trees, las de The Liminal, textura, Boomkat, Weed Temple, ...

A todos los artistas y a todos los sonidos que aparecen en esta lista, ¡gracias por vuestra compañía! Se agradecen comentarios, críticas, sugerencias o recomendaciones de tus favoritos en los comentarios.

 feliz
y
luminoso
año nuevo

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Ashan, To Return To

(Inner Islands, 2012)

Madre mía. Eso fue lo primero que pude decir la primera vez que escuché este disco fugazmente, hace unos meses. Ahora que por fin le he dado el tiempo que merecía, empiezo a comprender aquella reacción, porque se ha expandido, y se sigue expandiendo, como las ondas de calidez que irradia esta música.

Desde la preciosa portada a modo de tapiz floreado, desde el poderosamente sugerente título, tan de este año (pienso en "Return" de Daniel Higgs, incluida en su The Measure of Mistery), desde la campana que suena al principio en medio del silencio, como anunciando una sesión de meditación, todo prepara para un canto al amor, a la belleza y al espíritu. Y ese es el perfume que emana este disco, de arriba abajo: amor, paz, belleza, espíritu, gratitud, felicidad. Una invitación a vivir desde el corazón, abiertos a todo, desde el interior. Justo lo que más hace falta en el mundo de hoy, lo que siempre ha hecho falta, pero hoy de forma más urgente que nunca. Creo que la música de Ashan vibra en esa frecuencia espiritual, en fondo y forma, en música y letras, muy breves pero intensamente directas al corazón. Así de importante y profunda es.

Es imposible quedarse con una canción favorita, porque las cuatro son impresionantes. Todas exploran melodías felices a la guitarra con el acompañamiento de diversos instrumentos acústicos, jugando con la repetición para crear un efecto mantra, todo en un marco folk siempre melódico y con cierto regusto a gospel, aunque a veces se sienta como drone. Me da la impresión de que la música de cada una de las canciones suena exactamente a lo que dicen sus letras. "Energy Garden", la más larga, te introduce en la sesión invitándote a abrir tu corazón y a celebrar la vida. "Gentle Magick" continúa en una línea próxima hablando de retorno, de aprender a confiar y aprender a amar. "How Sweetly I Am Loved", el título lo dice todo, es una delicia de canción y alegra el corazón. Y llegamos a la parte que me pone los pelos de punta. "To All That Is". No hay palabras para lo que me hace sentir esta canción. Es, literalmente, emocionante. Ya me derrito cuando entra la flauta, pero la cosa no hace sino llevarte más hondo a aproximarte a lo más auténtico. Las letras, una vez más, breves pero intensamente emotivas y espirituales, directas al corazón, son aquí de gratitud a todo, y de certeza en el amor que nos sostiene. Y eso mismo es lo que me transmite la música.

Ahora mismo, es el disco más bonito del año, un regalo y un destello de esperanza, uno que demuestra que las cosas de las que habla Ashan se están moviendo y están emergiendo para transformar el arte y el mundo. Es una preciosidad de obra de arte, tanto por su mensaje como por su música, pues lo uno es espejo de lo otro aquí, tan perfecta es la adecuación entre espíritu y forma. Escuchen esta maravilla. Al autor, gracias por compartir su luz.

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Oh my goodness! That is the first thing I could tell back in the first time I listened to this album, a few months ago. Having now finally spent the time that it deserved, I'm just beginning to understand that reaction, because it has grown and continues to grow as the warm waves breathed out by this music.

From the beautiful cover as a floral tapestry, from the strongly evocative title, so typical of this year (thinking of "Return" by Daniel Higgs in The Measure of Mystery), from the bell sounding at the beginning in the middle of silence as if were announcing a meditation session, everything here is set for an ode to love, beauty and spirit. And that's the perfume emanated from this entire album: love, peace, beauty, spirit, gratitude, happiness. It's an invitation to live from your heart, open to all, from the inside -exactly what is most needed nowadays, what always has been needed but today more urgently than ever. I think the music of Ashan vibrates at that spiritual frequency both in form and content, music and lyrics, which despite being very brief come intensely straight to your heart. That important and deep it is.

It's no possible for me to choose a favourite song because all four are stunning. All of them explore shiny guitar tunes, along with several acoustic instruments, using repetition to create a mantra effect, all in a folk frame, very melodic and maybe near to gospel, although you can feel it sometimes as drone. I get the feeling that music in each of the songs sounds exactly like what the lyrics are telling. "Energy Garden", the longest, introduces you into the session, inviting you to open your heart and celebrate life. "Gentle Magick" follows in a near field talking about return and learning to trust and love. "How Sweetly I Am Loved", the title says it all, the song is a delight and joy to the heart. And then we come to the part that makes me shiver. "To All That Is". No words for what this song makes me feel. It's really moving. As soon as the flute enters I melt, then the song takes me deeper to the real inside. The lyrics, once again, are brief but strongly touching and spiritual, straight to your heart indeed, talk about gratitude to all, and about faith in the love in which we are hold. And that's exactly what the sounds transmit to me.

Right now this is the most beautiful album of the year, a gift and a glimmer of hope, and it proves that the things spoken by Ashan are there moving and emerging to transform art and reality. It's a gorgeous work of art, because of both content and sounds, being the one a mirror to the other, so perfect is the fit between spirit and form. Please listen to this wonder. To the author, thanks for sharing your light.

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Spires That in the Sunset Rise, Ancient Patience Wills It Again

(Hairy Spider Legs, 2012)

En la oscuridad, con una vela encendida, totalmente entregado a la experiencia. Al igual que con Fursaxa o con Natural Snow Buildings. Así es como esta música me pide que la escuche. Emerge del silencio en forma de sombras y brillos fantasmales, como un portal misterioso a un mundo distinto y total, oscuro y misterioso y desconocido. Llegan sus ecos en forma de un folk que podría ser de seres feéricos, concebido naturalmente como expresión de otra vida posible, mágica, ritual, donde la belleza brilla en la penumbra de bosques profundos, montañas que recortan el firmamento, círculos vivientes danzando con palabras de poder en la boca y la lujuria de la vida en la mirada. Magia, misterio, belleza, caminos infinitos por recorrer, la energía femenina de la madre tierra, sabiduría que emerge del silencio, reconciliación con la abuela muerte. Retorno. Reencantamiento. Uno debería entrar en la experiencia con libertad, dispuesto a encarar lo que venga. Como con todo.

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In the dark, with a lighted candle, totally immersed in the experience. As with Fursaxa and Natural Snow Buildings. That's the way this music demands me to listen to. It emerges from silence as ghostly glows and shadows, as a mysterious gate to another whole world, a dark, mysterious and unknown one. Its echoes come as a kind of folk music that could have been made by fairies, conceived as a natural expression of another possible way of life, a magic, ritual one, where beauty shines in the gloom of deep forests, mountains against the sky, living circles dancing with words of power in their mouths and lust for life in their eyes. Magic, mystery, beauty, infinite ways to walk, the femenine energy of Mother Earth, wisdom emerged from silence, reconciliation with Grandma Death. Return. Reenchantment. You should enter the experience with freedom, willing to face whatever comes. As in everything.

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Brian Eno, Lux

(Warp, 2012)

La luz del sol se cuela entre los resquicios del ramaje de un árbol, bajo el que descansamos recostados. Una leve brisa mece las hojas, creando efectos lumínicos únicos. Pasa el rato, el haz de luz se mueve lentamente, de tan sutil su desplazarse es casi imperceptible, pero llegado un punto, la variación en la imagen se hace manifiesta. Los efectos en nuestro contemplar son sutiles, pero podemos apreciar distintos estados evocados por la percepción de la lenta y armónica impresión del cambio que la luz provoca en su lento, inexorable fluir natural.

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A tree lets the sunlight come through its leaves, to us who are resting down there. A slight breeze is moving the leaves, resulting in some unique luminance effects. Time goes by, the beam slowly moves, so subtle is the move that it's almost imperceptible. But at one point, the variation in the image becomes apparent. Effects in our beholding are subtle but we can see some different states evoked by the perception of that slow, harmonious impression that the changing light is producing by such a slow, natural flow.

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Mouse on Mars, Parastrophics

(Monkeytown, 2012)

Mouse on Mars regresa con la IDM de toda la vida, fresca y actualizada, divertida y con pelotas de ping-pong, usando los recursos de los últimos años con libertad, personalidad y buen tino. Salta a la vista el color púrpura, si usted me entiende, pero también hay naranja energético y muchos más, a pesar del blanco y negro de la portada. Integra influencias muy a la última (wonky, videogame music y esas cosas tan de hace un momento), dando forma a una electrónica compleja y agradable, con un espíritu similar a lo que han venido haciendo desde el principio. Destacan, no necesariamente por calidad sino porque destacan, "They Know Your Name", que es casi bailable y casi pop, o hip-hop, y "Seaqz", agradable momento de soltarse a bailar y volverse locos.

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Mouse on Mars returns with the old IDM, fresh and updated, funny and with ping-pong balls, using resources of recent years with freedom, personality and good sense. Purple is there, if you understand me, but there is energetic orange too, and many more colours, despite the black and white cover. It fits very last influences (wonky, videogame music and so trendy stuff), composing some complex and pleasant electronic music, in a spirit similar to what they've been doing from the beginning. Highlights are, not necessarily for their quality but because they're highlights, "They Know Your Name", which is almost danceable and almost pop or hip-hop, and "Seaqz" good time to let go dancing and get crazy.

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Deerhoof, Breakup Song

(Polyvinyl/ATP, 2012)

Paso 1. La portada del nuevo disco de Deerhoof me llama la atención. ¡Cuántas luces de colores! ¿Qué es ese camión? No importa, las luces me han hipnotizado.

Paso 2. Mmmm... ¿Cómo es que no oigo un disco de Deerhoof desde el Friend Opportunity de 2007, que me gustó tanto? Recuerdo que Offend Maggie no me atrapó en la primera escucha y lo dejé correr.

Paso 3. Primera escucha del disco. Me recuerda a Friend Opportunity, esa complejidad instrumental (como una obra maestra de rock progresivo fracturada en canciones de 3 minutos), esa voz tan agradable que cante lo que cante me encanta. Menos pegadizas las canciones, más raras. Intrigante.

Paso 4. Segunda escucha. Riqueza sonora. Qué bueno. Esto hay que escucharlo con los cascos.

Paso 5. (Ahora mismo, con los cascos puestos.) Oh. Qué divertido, qué locura, qué ritmos, qué bonito, qué collage. Mi disco favorito de IDM de este año. Por ejemplo, porque no hay etiqueta que le cuadre a esto. Parece que se les sigue dando bien eso de dejar caer trocitos de hipotéticas canciones geniales en una batidora en la que caben Stereolab, el noise pop, electrónica, influencias latinas, The Kinks, la música disco, de todo, hasta metal oscuro, presentártelo todo en un plato multicolor con cien mil ingredientes y que sepa genial. Y de verdad, con esa voz, puede cantarme lo que sea que me lo como todo.

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Step 1. The cover of the new Deerhoof album catches my attention. Many colored lights! What is that truck? No matter, the lights have hypnotized me.

Step 2. Mmmm... How come I've not listened to any Deerhoof album since Friend Opportunity, which I liked so much? I remember that Offend Maggie didn't got me at first listen and I let it go.

Step 3. First listen. It reminds me of Friend Opportunity, that instrumental complexity (as a prog rock masterpiece broken into 3 minutes songs), that voice so nice that whatever she sings, I love it. Less catchy, more weird. Challenging.

Step 4. Second listen. Richness of sound. Cool. I must listen to this with headphones on.

Step 5. (Right now, headphones on.) Oh. What fun, how crazy, what rythms, how beautiful, what a collage. My favourite IDM album from this year. Or whatever. Because there is no tag for this. It seems that they're still doing fine that thing of dropping bits of hypotetical great songs into a blender in which they fit Stereolab, noise pop, electronic, Latin influences, The Kinks, disco music, anything, even dark metal, then they offer it all to you in a multicolored dish with one hundred thousand ingredients and it tastes great. And, seriously, with that voice, she can sing anything to me. I'll eat it all.

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Motorpsycho & Ståle Storløkken, The Death Defying Unicorn

(Rune Grammofon/Stickman, 2012)

La banda de rock progresivo Motorpsycho, el teclista y compositor Ståle Storløkken y una orquesta de jazz. El resultado es uno de los discos más sorprendentes del año y una obra de arte del progresivo sinfónico, género que parece estar viviendo un momento de gran vitalidad, véase el increíble retorno de Änglagård de este año u otros brillantes trabajos recientes de bandas en una línea próxima, como Wobbler o Ciccada.

Motorpsycho es bastante diferente de estas otras, pues explora, de disco en disco, muchos estilos diferentes, del jazz-rock al metal, pero en este trabajo suenan muy setenteros, viniendo a la mente referencias como King Crimson y Yes en algunos momentos, pero también del rock psicodélico de los sesenta. Sin embargo, debido a la versatilidad y experiencia propias de la banda, usan múltiples recursos, sonando en algunas etapas del disco más clásicos, y en otras más modernos, y a veces todo a la vez, como en capas superpuestas. A esto se suma la presencia de Storløkken. De él conocía su faceta de teclista electrónico del jazz vanguardista noruego, por sus colaboraciones con Thomas Strønen en Humcrush, y con Supersilent. Muy interesante siempre como todos sus compinches, pero nunca me había sorprendido tanto como aquí. Su aportación como compositor está tan entretejida con la de la banda que resulta además sorprendente lo bien que fluye el conjunto, la gran coherencia conseguida entre las partes y voces instrumentales, orquestales y rockeras. Su trabajo orquestal es impresionante, y hace pensar en una banda sonora fílmica de esas que se graban en la memoria.

Y de hecho este disco hay que escucharlo con calma y atención, como quien se sienta a ver una película. Porque lo es. Narra un extraño viaje por mar, una tormenta, un naufragio, y atravesando todo ello un viaje existencial, de hombres que van a buscar tierras vacías para acabar encontrando el vacío en su interior. El carácter fílmico del disco es acentuado por el magnífico trabajo de Storløkken, como decía, pero la banda no se queda atrás a la hora de expresar lo épico y el drama, jugando con los elementos sinfónicos con maestría para pintar escenas violentas o calmas. Si tengo que destacar un tema, tiene que ser "Through the Veil", el más largo, una joya progresiva de dieciséis minutos, en la que se ve muy bien esa sincronía y ese fluir tan extasiante que consiguen entre rock y orquesta, una canción tremenda para volverlo a uno loco en el asiento, de lo más épico que he oído en mucho tiempo, tanto que ahora mismo la única semejante que me viene a la mente, aun siendo muy distinta, es "The Odyssey" de Symphony X. Pero es mejor no creer que uno ya sabe lo que se va a encontrar aquí; mejor olvidarse de las etiquetas, porque esto no es el enésimo clon de Yes o Genesis; aquí hay hasta drones misteriosos a base de electricidad y sintetizadores cósmicos, aquí hay jazz nuevo, creativo y de primera línea, pero sobre todo lo que hay es calidad, juego, riqueza sonora y vida. Impresionante.

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The progressive rock band Motorpsycho, the keyboard player and composer Ståle Storløkken and a jazz orchestra. The result is one of the most surprising albums of the year and a masterpiece of symphonic prog rock, a genre that seems to be experiencing a period of great vitality, see the amazing return of Änglagård this year and other brilliant works by bands in a near style, such as Wobbler and Ciccada.

Motorpsycho is quite different from these other though, as it explores, from an album to another, many different styles, from jazz-rock to metal, but in this work it sounds very seventies, coming to mind references such as King Crimson and Yes at times, but also the psychedelic rock from the sixties. However, due to the band's versatility and experience, they use multiple resources, sounding more classic in certain parts, more modern in others, and sometimes all at once, as in superposed layers. Added to this is the presence of Storløkken. I knew his role as a Norwegian avant-garde jazz keyboardist, for his collaborations with Thomas Strønen in Humcrush, and Supersilent. Always very interesting as all his buddies, but I never was so surprised as here. His contribution as a composer is so interwoven with that of the band that is also surprising how well it flows together, the great consistency achieved between the orchestral and rock parts and voices. His work with the symphonic thing is impressive and suggests a film soundtrack, and one of those that remain in memory.

Indeed, this album needs to be listened with calm and attention, as if you sat down to see a film. Because that is it. It tells about a strange sea voyage, a storm, a shipwreck, and through it all, an existential journey, of men who go looking for hollow lands to find the hollow inside them at the end. The cinematic nature of the album is increased by the excellent work by Storløkken, as said, but the band is not far behind when it comes to expressing the epic and the drama, playing with symphonic elements to paint masterfully both violent and calm scenes. If I have to highlight a track, it must be "Through the Veil", the longest, a sixteen-minute progressive gem, where you can see the synchrony and how well they flow, the ecstatic of their game between rock and orchestra, a tremendous song that makes you mad on the seat and one of the most epic songs I've heard in a long time, so that right now the only similar thing that comes to mind, although very different, is "The Odyssey" by Symphony X. But it is better not to believe that you already know what you will find here, just forget about tags, because this is not yet another clone of Yes or Genesis. Here's even mysterious drones on electricity and cosmic synths. Here is new, creative and top line jazz, but mainly here's quality, a great interplay, richness of sound, and life. Impressive.

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Steve Roach, Back to Life

(Projekt, 2012)

Visto el ritmo de publicación de Steve Roach, uno podría estar predispuesto a esperar poco de su enésimo disco de ambient cósmico. Pero no es así. Este hombre es un maestro artesano de la música que hace. No en vano es uno de los padres fundadores del género. Pero además, este explorador de abismos sonoros no se ha quedado estancado ni ha derivado en subproductos alejados de su gloria original, sino que ha continuado perfeccionando su arte, de modo que, cuando no publica una obra maestra como Mystic Chords & Sacred Spaces, al menos vierte toda su sabiduría y experiencia en sus obras, las cuales, aun si no innovan mucho respecto a su estilo conocido, siempre contienen ambient de primera o, si estás dispuesto a creerlo, puertas a otros mundos.

En este, la más impresionante se encuentra quizás en las ondas expansivas de energía de "Mist of Perception", pero en todo el disco abunda el buen sonido astral que tanto nos transporta, incluyendo algo de ritmo y percusión en algunas pistas. Artesanía.

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Having regard to the rate of publication of Steve Roach, one might be inclined to expect little from his umpteenth cosmic ambient album. Not so. This man is a master craftsman of music making. Not for nothing he's one of the founding fathers of the genre. Furthermore, this explorer of sound abyss hasn't stalled nor has resulted in products far from his original glory, but rather he has continued to perfect his art, so that when he doesn't publish a masterpiece like Mystic Chords & Sacred Spaces, at least he poures all his wisdom and experience in his works, which, even if not innovate much about his known style, always contain first class ambient or, if you are willing to believe it, gates to other worlds.

In this, the most impressive is perhaps the shock waves of energy in "Mist of Perception", but on the whole album there abounds the good astral sound that transports us so much, including some rhythm and percussion on some of the tracks. Crafts.

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Natural Snow Buildings, Beyond the Veil

(Blackest Rainbow, 2012)

El lenguaje es básicamente el mismo que en las últimas obras que esta pareja de brujos constructores de catedrales de nieve ha venido transmitiendo desde ignotas regiones del universo sutil no cartografiado, su folk mágico inductor de trances suena familiar, pero no por ello pierde fuerza; al contrario, hay muchos terrenos por explorar ahí fuera y aquí dentro, y ellos van variando ligeramente su forma de recorrer los caminos, empleando sus recursos de nuevas formas creativas, aunque en una primera escucha el resultado pueda parecer tan similar a lo ya conocido. Mejor, deshagámonos de nuestras suposiciones; en realidad, todo es desconocido, y siempre he tenido la impresión de que es lo desconocido lo que Natural Snow Buildings están tratando de expresar. Y lo hacen, una y otra vez, con una curiosa combinación de sentido de la medida y buen gusto, que parecen haber adquirido como artesanos, y que actualizan a la hora de componer (o improvisar) sus drones infinitos. El tono del disco es un poco diferente de los anteriores: aquí, los paisajes cósmicos y las nanas oníricas están entretejidos, en general, de una mayor oscuridad, preñada de los ecos de remotas invocaciones y conjuros de brujas ancestrales, de miradas penetrantes y palabras de poder.

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The language is basically the same as in the last works that this couple of witches, snow cathedral builders, have been broadcasting from unknown regions of the uncharted subtle universe, its trance-inducing magical folk sounding familiar, but not losing strength; on the contrary, there are many areas to explore out there and in here, and they will vary slightly their way to walk the roads, using their resources in creative new ways, although the result may seem so similar to what is already known, on first listen. Better, let's get rid of our assumptions; in fact, everything is unknown, and I have always had the impression that it is the unknown what Natural Snow Buildings are trying to express. And they do, over and over, with a curious combination of a sense of proportion and good taste, which they seem to have acquired as artisans, and manifest it at the time of writing (or improvising) their infinite drones. The tone of the album is a little different from the previous ones: here, the cosmic landscapes and dreamlike lullabies are woven, in general, in a greater darkness, which is filled with the echoes of remote invocations and spells of ancient witches, of penetrating glances and words of power.

[sold out]

Deadbeat, Eight

(blkrtz, 2012)

Más heterogéneo que el disco anterior, conserva la habilidad para captar la atención que su autor demostró en aquel, de igual modo sin llegar a impresionar mucho en lo compositivo, pero haciendo un gran trabajo en el sonido, en las capas y ambientes. Ambientes cuidados, texturas diáfanas y algo de grabaciones de campo, pero hay mucho menos ambient y más beats. Estilísticamente variado, como decía: empieza con dubstep oscuro pero más adelante explora terrenos más bailables al modo tradicional. Si uno buscaba atmósferas aquí, descubrirá otras cosas, pero en todo caso, es un buen disco electrónico.

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More heterogeneous than the previous album, it retains its author's ability to grab the attention that he showed then. Similarly, it fails to impress much in songwriting but does a great job in sound, layers and ambiences. There are good ambience, clean textures and some field recordings as well, but in general there is much less ambient and more beats. Stilistically diverse, as said: it starts with dark dubstep but later explores more danceable grounds in the traditional manner. If you were looking for atmospheres here, will find other things instead, but it is a good electronic album, anyway.

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The Fractal Sound en Sala López

Zaragoza, Sala López, jueves 22 de noviembre de 2012.

Dentro del ciclo Deversiones de la Sala López, la banda zaragozana The Fractal Sound tocó el jueves pasado el Wish You Were Here de Pink Floyd. No sólo era la primera vez que iba a verlos en directo, sino que tenía cierta emoción especial de a ver qué pasa, como si también fuera a ver por primera vez a Pink Floyd, no sé si me explico. ¿Te imaginas ir a un concierto de Pink Floyd en los 70? Bueno, pues aquí tuvimos la oportunidad el jueves, o algo así. En virtud de esa anticipación, tenía ganas y al mismo tiempo estaba ahí la sombra de las expectativas, siempre tan tiranas y aguafiestas (porque claro, estamos hablando de ese disco). Procuré, eso sí, dejarlas estar y disfrutar de lo que viniera, tal como viniera, porque, como todos sabemos, esa es la única manera de disfrutar de algo.

Los músicos empezaron a hacer su alquimia a lo grande. Empezaron fuerte, convenciendo, con la maravillosa primera parte de "Shine On You Crazy Diamond" sonando bien, sonando muy bien y cada vez mejor, con ese solo gilmouriano, el ambiente espacial de fondo, la batería empezando suave y el blues, tan energética y fiel al original que si cerrabas los ojos te podías imaginar a los Pink Floyd sobre el escenario. Ojo, lograron provocar el estremecimiento en esos momentos de la canción que tú sabes. Muy buenos. En seguida me di cuenta de que los músicos no sólo sabían reproducir con fidelidad el original, sino que tenían su propio carisma y merecía la pena abrir bien los ojos para ver a The Fractal Sound y dejar de lado el simulacro de ver a Pink Floyd. Además, pronto empezaron las sorpresas y las improvisaciones. Desgranaron el disco completo, y volvieron a provocar escalofríos en la segunda parte de "Shine On...".

Grandes músicos todos con sus instrumentos. Muy buenas las intervenciones esporádicas del saxo. Y lo más importante: fluyen muy bien juntos y disfrutan visiblemente.

Después del WYWH, tocaron algunos temas de su próximo disco. Una vez convencido con su notable tributo, llegó la hora de descubrir su propia música en directo. Ellos hablan en su facebook de "rock post-psicodélico y post-progresivo". Ok. Me vinieron pensamientos sobre influencias variadas del prog y sobre todo el post-rock, incluida la más descuidada últimamente, la de Tortoise, lo que siempre es una alegría. ¡Pero basta de etiquetas y comparaciones! La cosa es que sus canciones me gustaron. Hubo bucles emocionantes y mucha potencia combinada con delicadeza (ese piano).

Gran concierto, estupendos visuales. Para terminar, versionaron esa maravilla del primer álbum de Pink Floyd: "Interstellar Overdrive", ¡qué emoción cuando la anunciaron! No me lo esperaba para nada, y no había mejor manera de acabar y de irse contento a casa. Gracias.

Daniel Higgs, The Measure of Mystery

(Gnome Life, 2012)

Escucho a Daniel Higgs con una especie de fascinación, nacida el día que fui bañado por las ondas de energía que su fusión con el banjo y todo su ser irradiaba. Uno de los conciertos más impresionantes que he vivido, verdaderamente psicodélico. Por eso, el trovar desnudo y directo que esta grabación transmite revive el recuerdo y casi una especie de devoción, sobre todo por la versión de la increíble "Return", incluso por el largo poema recitado "Say God", las palabras inspiradas de un genio, no sé si un místico, pero por cierto un poeta abierto a las dimensiones misteriosas de la conciencia cósmica.

*

I listen to Daniel Higgs with a sort of fascination which was born in the day I was bathed by the energy waves that his fusion with banjo, his whole being, radiated. One of the most amazing concerts I've ever lived, truly psychedelic. Therefore, the direct and naked trobadour music that this recording transmits revives the memory and almost a kind of devotion, mainly because of the version of the awesome "Return", even by the long spoken poem "Say God", the inspired words of a genious, do not know if a mystic, but certainly a poet open to the mysterious dimensions of cosmic consciousness.

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Änglagård, Viljans öga

(Anglagard Records, 2012)

Se me hace difícil imaginar una banda de músicos detrás de esta música increíble. Hay más bien una historia, o mejor, muchas historias, tantas como escuchadores, tantas como escuchas, indefinidas secuencias oníricas de vigilia, evocadas en imágenes mentales por esta sinfonía de otro mundo que a su vez expresa, sin palabras, algún mundo soñado, envuelto en el misterio del sonido, el único código que nos llega.

Cierro los ojos y veo, decodifico, recreo. Imagino:

Acto I. Amanecer. Veo amanecer en un paraje agreste. Aparece un cementerio en ruinas, y pronto atardece ya en este mundo desconocido. Agitación. Guerra entre las fábulas. Las hordas del adversario avanzan a la batalla. Seres fantásticos se defienden, huyen. Enjambres de hadas. Calma tras la batalla.

Acto II. De nuevo amanece. Brillante rocío, gotas caen de las flores, hojas al agua que tiembla, brisa leve agita el mundo y un héroe cabalga hacia el peligro. El peligro avanza hacia el héroe. Fuerzas que se enfrentan en una danza sin final. Nadie gana.

Acto III. Una hechicera, un conjuro mágico, sangre borboteante en un caldero de bronce. Visiones en su reflejo: la historia del héroe y su amada. Ella le aguarda en la torre, sus ojos clavados en el horizonte, esperanza. Él proyecta su mirada más allá de la noche, a su alcoba. Sus miradas, sin reconocerse, sin encontrarse en la distancia, dialogan sin embargo, en silencio. Cielos azules y púrpura llevan sus mensajes, aleteantes, entre las nubes. La dama toca su anillo y recuerda el compromiso. El héroe, solo, imagina que aspira el perfume de sus cabellos rojizos, anhelante. Rescate, huida, consumación, juntos, ¿desenlace o sueño dentro del sueño? La visión se desvanece, sangre agitada en el caldero, la magia se disipa. Ríe la hechicera, ¿por qué?

Acto IV. Oscuro, mira en su interior y experimenta amargura. Sed de poder. Desciende, abajo a las profundidades de la tierra. Gnomos trabajan, ocultan secretos brillantes. Un cristal que brilla con luz propia, lo toma en su caverna y desciende aún más abajo. De pronto, otro mundo irrumpe y lo lleva arriba al espacio exterior, o abajo a un infierno multicolor, a dónde no lo sabemos, a un allá afuera del mundo conocido. Sonrientes demonios juegan con su corazón, alegremente. Perpetua locura en su macabra fiesta circense. De sus ansias de conquista quedan unos pocos huesos que bailan, divertidos en la broma final, en que al fin entiende.

Sobre el disco, como disco, no sé qué decir. Por ejemplo, "una obra de arte del rock progresivo", de una riqueza, una complejidad y una técnica apabullantes. No sé cómo describir esta música objetivamente. Pero me produce asombro, el hecho de que los seres humanos, estas criaturas tan extrañas y aparentemente tan simples, sean capaces de hacer algo tan increíble. Somos realmente extraños y misteriosos.

*

It's pretty hard for me to imagine a band behind this amazing music. For me there is rather a story here, or many stories, so many as listeners, as listenings, like indefinite waking dream sequences, painted in mental images by this otherworldly symphony that expresses, without words, some dreamed world, hidden in the mistery of sound, which is the only code that comes to us.

I close my eyes and see, decode, recreate. I imagine:

Act I. Sunrise. I see dawn on a rough spot. There appears a graveyard in ruins, and soon twilight falls on this unknown world. Agitation. Fables in war. The hordes of the adversary move into battle. Fantasy creatures defend themselves, flee. Swarms of fairies. Calm after the battle.

Act II. It dawns again. Bright dew. Drops fall from the flowers, so do the leaves onto the trembling water. A gentle breeze stirs the world and a hero rides toward the danger. The danger moves toward the hero. Opposing forces clash in a never-ending dance. Nobody wins.

Act III. A witch, a magic spell. Burbling blood in a bronze cauldron. Visions in its reflection: the story of the hero and his beloved one. She waits him in the tower, his eyes fixed in the horizon. Hope. He looks beyond the night, to her chamber. Although their gazes don't recognize each other nor encounter in the distance, those converse silently. Blue and purple skies carry their fluttering messages among the clouds. The lady touches her ring and remembers the commitment. The lonely and longing hero imagines, smells her red hair perfume. Rescue, flight, consummation. Together. Is it an outcome or a dream within a dream? The vision fades, the blood stirs in the cauldron and the magic dissapears. At the end, the sorceress laughs. Why?

Act IV. So dark, he looks inside and feels bitterness. Thirst for power. He goes down, down into the depths of the earth. The gnomes work, they hide bright secrets. A crystal that shines, he takes it from its cave and goes further down. Suddenly, another world bursts and takes him up to the outer space, or down to a multicoloured hell, where, we don't know, to an out there of the known world. Smiling demons play gladly with his heart. Perpetual madness in their macabre circus feast. Of that his lust for conquest only a few dancing bones remain, having fun in the final joke, in which he finally understands.

On the album, as an album, I don't know what to tell. Say, an overwhelming rich, complex and technical "progressive rock masterpiece". I don't know how to describe this music objectivly. But it amazes me, the fact that human beings, these so strange and apparently simple creatures, are able of doing something so awesome. We are really strange and mysterious.

Lumerians, Transmissions From Telos Vol. 4

(Hands in the Dark, 2012)

Más primitivos y desbocados que en el disco del año pasado, Lumerians vuelven con fuerzas extramundanas, ácidos como cometas, para llevársenos volando a un viaje psicodélico-espacial compuesto por cuatro jams, esta vez sin acompañamiento de voz, con la maquinaria instrumental a toda potencia: esa percusión mecánico-tribal, esos teclados prehistóricos, esos efectos cósmicos, todo bien sucio de polvo de estrellas, vibrante y auténtico como si en verdad trajeran un mensaje de otra galaxia: preparaos para la nueva era, terrícolas, el espacio exterior y el espacio interior os salen al encuentro, bailad, asombraos, viajad, ¡brillad! Más energía, más libertad, más groove espacial.

*

More primitive and runaway than in their last year album, Lumerians return with extramundane forces, such acid as comets, to take us flying to a psych-space trip composed of four jams. No vocals this time but instrumental machinery is at full power: that mechanical-tribal percussion, those prehistoric keyboards and cosmic effects, are all really dirty of stardust, so vibrant and authentic as if they really brought a message from another galaxy: prepare for the new age, earthlings; inner space and outer space come out to meet you. Dance, wonder, travel, shine! More energy, more freedom, more space groove.

Lone, Galaxy Garden

(R&S, 2012)

Un cóctel electrónico interplanetario, de tono lounge y beats potentes, como un cruce entre Stereolab y The Future Sound of London y la IDM clásica y las pistas de baile chungas, aderezado con esos colores brillantes que tanto destacan en el negro del espacio, sin olvidar el púrpura de hoy y otros desconocidos del mañana. Sin pretender abrir una nueva era, es un disco honesto, redondo y efectivo en recrear ambiente de cóctel en estación espacial, de sueños futuristas, o retrofuturistas, explorando un poco las armonías "qué bien se está aquí" en plan chill-out, pero evitando caer en lo aburrido, demandando tu atención con estructuras mínimamente complejas y capas de sonido bien superpuestas, y ritmos moderadamente juguetones. Me recuerda un poco al Variance de Jega, que aunque más oscuro, comparte con este el sabor de ciencia-ficción espacial que recrea en mi paladar, y el buen hacer con la melodía, el ritmo, la producción, la riqueza sonora. Ven, te dice una voz suave en el Jardín Galáctico, ponte cómodo en uno de esos sofás blancos de diseño redondeado, tómate algo, deja los problemas y las revueltas marcianas en la puerta, ¿te apetece flotar un poco en la sala de gravedad cero con vistas a los anillos de Saturno?, abandónate en la espiral luminosa, ensueña...

[r&s]

Jüppala Kääpiö, Animalia Corolla

(Omnimemento, 2012)

Los ritos secretos de la naturaleza, traducidos a música audible por los humanos gracias a la transición a través de dimensiones ignotas desde los mundos interconectados de plantas, flores, insectos, la tierra, los espíritus elementales que la pueblan, las aguas y el croar de las ranas y las semillas que alzan el vuelo, todos ellos danzando la danza sagrada, la danza cósmica, proclamando la verdad misteriosa del universo: que todo, todo, absolutamente todo está vivo en el fluir ilimitado del cambio.

*

The secret rites of nature, translated into music audible by humans, through the transition across unknown dimensions from the interconected worlds of plants, flowers, insects, earth, the elemental spirits that inhabit it, the waters and the croaking of frogs and the seeds that take flight, all dancing the sacred dance, the cosmic dance, proclaiming the mysterious truth of the universe: that everything, absolutely everything is alive in the unlimited flow of change.

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Phaedra en Centro Joaquín Roncal

Zaragoza, Centro Joaquín Roncal, jueves 19 de abril de 2012.

Energía y amor en el ambiente. Esa es la impresión, en pocas palabras, que me llevé de la estancia de Phaedra en Zaragoza. Habiendo disfrutado y madurado desde el año pasado un disco tan bonito como The Sea, el concierto prometía ser intenso y memorable, y lo fue de un modo encantador y sorprendente, dejando atrás cualquier expectativa. La magia surgía del escenario y llenaba la sala, uniendo a artistas y oyentes en el fluir de misteriosas energías canalizadas en canciones. Las manos de Ingvild jugaban con su guitarra, un teclado y un instrumento maravilloso que, según me contó, creo era un arpa folk, cítara noruega o harpeleik. Y su voz, hechizando al público con encantos norteños, ancestrales. A su derecha, su compañero pintaba los fondos con sintes varios, coloreando el espacio psíquico de la sala con esos sonidos psicodélicos que tan bien envuelven ese núcleo de folk frío de neblinas y orillas de mar en invierno.

En el disco, la clara voz de Ingvild suena muy bien, pero no llega a mostrar de verdad el poderío que tiene en directo: impresionante, cómo canta, qué voz tan bonita, trabajada, hábil y sugerente. Una voz que recorría la sala, subía de pronto la frecuencia vibratoria del lugar, captaba tu atención y la impulsaba por encima de los lugares acostumbrados, sacándote de tu estado rutinario de espectador pasivo y mostrándote un resquicio de la belleza del universo, atrapándote, comprometiéndote con la experiencia.

La pareja repasó el repertorio de The Sea con pulcritud y vida: las canciones se mantenían fieles al disco pero respiraban con vida propia, la del momento, enriquecidas con nuevos y distintos acompañamientos electrónicos, vibrantes con las luces destellantes del arpa folk, de fascinante, cautivadora sonoridad. Y presentaron tres nuevas canciones, adelanto del segundo disco de la anunciada trilogía, que dejaron buen sabor y ganas de más. Para mí, el momento más transportador del concierto vino con "The Sea", el tema más largo del disco: cuando su progresivo fluir desembocó en esas escenas de ensueño submarino, con el arpa envolviéndote en sus acordes acuáticos de reino de sirenas y la voz energética de Ingvild impulsándote a las alturas, desencadenó algo de verdad bonito, intenso y asombroso.

En conciertos así de íntimos e intensos, se siente ese algo que se comparte. Hay ahí seres humanos, vida y conciencia y aire y emoción y tantas cosas, todo compartido, sin límites. La música se vive como un fluir y un disfrute y no puedes decir sino gracias. Gracias a Phaedra por un concierto tan bonito, cálido y ensoñador. La noche fue mágica y reservaba bonitas sorpresas. Ella aportó su presencia y la belleza vino a nuestro encuentro.

[fotos: gracias lorena]

Daniel Higgs en Arrebato

Genio descendido a la tierra

Zaragoza, sala Arrebato, domingo 1 de abril de 2012.

En el escenario, un tío que, por un lado, llama la atención, y por otro parece alguien que te podrías encontrar en la calle, familiar y extraño al mismo tiempo. Larga barba gris, tatuajes en las manos y en el cuello, vestido como a medio camino entre estar por casa con amigos en alguna fiesta peligrosa pero en familia, y entre andar de trovador de feria medieval cutre pero entrañable.

Empieza a tocar el banjo y lo que me asombra no es sólo su apabullante dominio del instrumento, no, es que parece que se hace uno con él, que juega con él como si fuera un amigo o un ser vivo querido, exigiéndole a veces y otras aceptando que no da más de sí en ese momento, y me pregunto con quién habla, si con el instrumento o con su musa invisible o consigo mismo, porque los gestos de su cara son de conversación amigable, como que ahora hace maravillas dejándose llevar por vientos astrales que nadie más ve en la sala, y después, de regreso a la tierra, busca el hilo y sonríe risueño y acepta, tranquilamente, que ya ha pasado el momento, y sigue jugando con el banjo, ya llegará otra vez el espíritu. Y llega.

Despidiendo energía luminosa en pleno delirio

Y canta con su voz potente, y marca el ritmo con los pies, a veces bailarines, como un niño feliz con su juguete, ajeno a todo lo demás, y se entrega a la música que fluye a su través despreocupadamente y como en un alucinar permanente en sustrato, haciéndonos alucinar a los demás, como por resonancia, cuando la emoción sale en ondas tímbricas de su boca poseída. El color es un número, sinestesia, oh, sinestesia, sinestesia. A veces toca canciones reconocibles, bromea sobre la reproducción fiel y precisa a la que obviamente no se esclaviza, sino que improvisa libremente, sin temor a perderse, y aunque se pierda, en seguida encuentra otra senda, y sigue. Encarnando varias culturas, sin vergüenza y sin despeinarse, en una persona, Oriente y medioevo y blues y rock and roll, todo vibrante en su folk simple y desnudo de tío sentado tocando el banjo. Psicodélico en su canalizar energías pero extrañamente comedido, entregándose y volando con los ojos cerrados, lisérgico pero manteniendo el control, como un buen músico que sabe jugar y dejarse llevar sin desvariar, transmitiendo ese salirse de madre momentáneo, excéntrico en esos gestos repentinos con las manos, como manipulando algo invisible en el aire, haciéndose con las sonrisas y risas del público como artista callejero, y al momento sus dedos tatuados haciendo maravillas con las cuerdas, y él como en trance pero con los pies en la tierra.

Al final la gente aplaude, y él se pone a aplaudir a la gente y hace crecer la cosa poniéndole más ganas que el público, y la cosa acaba con gritos en plan eufórico y descontrolado por las dos partes y risas, y me quedo no sabiendo si el tío simplemente tiene sentido del humor o está situado en un nivel psíquico especial y peligroso o qué pasa. Un concierto corto pero intenso y alucinante, un disfrute. Gracias a Bombo y Platillo, y espero que sigan poniendo la mirada en músicos tan interesantes, y trayéndonoslos por mucho tiempo a Zaragoza, este espacio desolado en el que casi no me puedo creer que haya visto en directo a Daniel Higgs.

Blues, sinestesia y amor

[gracias lorena por las fotos 1 y 2]

Apenino & Árbore, Animals Are Not Things!

(Microphones in the Trees!, 2012)

Cualquier cosa que uno diga sobre música es siempre inadecuada. En el caso de este disco, que me transmite tantas cosas buenas, no sé por dónde empezar ni qué decir sin ser infiel a la muda expresión de su belleza, que no necesita de palabra alguna. Lo primero, es el quinto disco de Rafael Romero y la segunda colaboración con Apenino. Aquella primera de 2005, bajo el nombre de Raro & Apenino, fue un disco brillante y único, en cierto modo relacionado con ese nuevo folk libre y explorador que salía a la superficie con fuerza en Norte América y que en España no acabó de hacerse tan visible para los medios, pero que sigue muy vivo como lenguaje, muy abierto a la creatividad y a transmitir cosas muy especiales. Y con esto vuelvo a Animals Are Not Things!

Puedo empezar diciendo que fue compuesto en honor a los animales que sufren, porque lo cierto es que se nota. Toda música transmite una emoción, una vibración, que el músico imprimió a sus notas y que tú recuperas de la frecuencia adecuada, si te resuena, si conectas a un nivel similar. Este disco me transmite paz, calma, compasión, ternura, con una efectividad intensificada por su sinceridad, por su frescura, por su espontaneidad y su falta de artificio. Además, da la impresión de que no ha habido una excesiva preocupación por encontrar la toma perfecta, sino que prevalece un respeto por la música tal cual es en su perfecto surgir natural. Esta sensación de naturalidad, de autenticidad, se ve apoyada por la presencia de grabaciones de campo en el fondo de casi todo el disco. Pajaritos, la brisa, los árboles, aleteos, grillos, y por supuesto ladridos, lametones, maullidos y ronroneos, qué maravilla.

El disco empieza en un nivel astral con la jam rítmica, hipnótica de "Este es el espíritu", salpicada de toques de cuenco tibetano, trayendo a la memoria las excursiones free de Greta (2007). Pero el tono, sin embargo, se vuelve más familiar, melódico y terrenal desde "Mapita". Bonitas melodías de guitarra preñadas de ternura, acompañadas a veces de otros instrumentos (ukeleles, kalimba, mini cémbalo). "Little Kirby Blues" me invita especialmente a volver a ella una y otra vez, tan bien se está entre sus acordes, con esos ladridos tan bien plantados, tan graciosos en su momento perfecto, como la vida misma de bonita. Cada una tiene su reflejo de la belleza que capta el disco, de modo que hay mucha variedad, al mismo tiempo que un evidente lenguaje común: a medio camino entre el raga folk y la canción tradicional de guitarra al sol. "Petula" trae de pronto la dulce voz de Mónica Vacas (Mus), y descubres que las palabras, en este disco, son escasas pero pura poesía. Después, la colección cambia un poco de ritmo con "Choiva", un tema que empieza sonándome un poco al dibujo paisajístico del dúo americano de ambient Mountains, con las grabaciones de la naturaleza en primer plano dando paso a la guitarra sosegada de Rafa. "Ngetal" continúa en ese tono pastoral calmado, adentrándose aún más en la quietud y el silencio para desembocar en un raga de pradera agitada por el viento, cada vez más impresionante, hasta que deja paso a "Pachocas", la otra canción cantada por Mónica Vacas: nana, poesía, ternura, sensibilidad de quedarse sin palabras, no te vayas jamás... "Tini Mandarini" trae de vuelta la cara más animada del disco y por último, en "Held" y "Trains Across the Sea", versiones de Bill Callahan y Silver Jews respectivamente, Rafa reinterpreta con su voz íntima y cálida las originales, aportando un tono cercano, muy de estar ahí, bien, entre amigos al aire libre, con la brisa.

Es tal la luz, el amor y la calidez que la música de Árbore transmite aquí, que uno se siente como abrazado, como en ese estar bien en el campo porque sí, con el sol calentando y la naturaleza viva respirando y sonando en ti, en el mundo, y tú en el mundo y el mundo en ti. El título del disco, las palabras de presentación del autor, no dejan lugar a dudas: habla de los animales que sufren, que no son cosas y no tienen voz entre los humanos; tú eres su voz. Para vivir desde ese respeto y con esa conciencia de cuidar, hay que conectar con algo profundo en nosotros, ahí donde toda la vida se revela interconectada y amorosa. Esa conexión es lo que me sugiere y transmite este disco, y eso es lo que lo hace tan especial y sanador y tan de agradecer.

[escucha y descarga gratuita en su bandcamp]

Pink Floyd, The Dark Side of the Moon

(Harvest, 1973)

Pasas años escuchando ocasionalmente, como de puntillas, un disco que no acaba de decirte mucho. Y de pronto, lo escuchas una vez de otra manera, como a otro nivel, o como por primera vez. Le prestas toda tu atención, te sientas a escucharlo, a verlo. Y es totalmente otro.

Entonces, ocurre que te sumerges en una atmósfera espacial, rica en sonido y en luminosidad sutil, te conmueves con versos sencillos pero profundos, abiertos a sentidos múltiples, flotas en un mar de sintetizadores cósmicos y caricias  que van y vienen de las guitarras perezosas de David Gilmour, y entonces llegan los coros energéticos, y ese saxo, y hacia el final de "The Great Gig in the Sky", la emoción aflora, lo sientes en esas raras lágrimas de goce artístico. Ni siquiera "Money", que siempre te había parecido un poco fuera de lugar, desentona; al contrario, está perfecta en su sitio, y te hace bailar en el asiento. La lenta maravilla de "Us and Them" está más allá de las palabras y te lleva, con sabiduría, arriba y abajo y otra vez hasta que llega otro viento cósmico y se te lleva de viaje a la siguiente estación.

Entiendo por qué tanta gente se ha conmovido con este disco. Es un viaje corto pero intenso, una obra inspirada que sugiere grandes cosas. A veces, ocurre con los discos encumbrados que pasas de largo, por alguna extraña ilusión, y a lo mejor te pierdes una maravilla. Este confirma que en los 70 había algo en el ambiente.

[live in london 1974 / pink floyd official site]

Chelsea Wolfe, Ἀποκάλυψις

(Pendu Sound, 2011)

Cuando en el bosque, en medio de la noche, atraviesas unas cortinas rojas aparecidas de la nada, pueden pasar cosas. Nada te prepara, sin embargo, para algo como esa amiga que te acuchilla con sus gritos. De manera parecida empieza este disco. Ella me mete el susto en el cuerpo, me acojona para que le preste toda mi atención. Lo deja bien claro: no se anda con tonterías, esto es un asunto serio. Y entonces entra en escena.

Está oscuro, muy oscuro, de pronto unas pocas velas arden con luz roja y tenue en la estancia, y ella canta con su banda, exclusivamente para mí, aquí, en la oscuridad, donde nunca sabes lo que puede estar acechando. Su voz arrastra canciones enigmáticas de dolor, misterio, plegaria y contemplación, acompañada del sonido sucio, crudo y real de su banda de rock lento de almas perdidas. Hacia el final, descubro que no... hay... banda. Sólo ella, perdida en la oscuridad. He visto sus ojos, brillantes como el sol; voy tras ella, caminando en la noche cerrada, con su canto guiando mis pies entre las raíces del bosque, entre las velas apagadas en el suelo de la estancia.

Hay que escuchar este disco para creerse lo bueno que es. Aquí hay un cruce extraño de doom y folk con una sensibilidad y una magia que sólo una mujer es capaz de transmitir. Aquí hay gótico primario, carnal, experimental, original. Pero ninguna etiqueta le hace justicia. Aquí no hay melancolía, hay oscuridad profunda y comprometida, con leves pero luminosos resquicios de esperanza. Alucinante y peligrosamente adictivo.

Isole, Silent Ruins

(Napalm, 2009)

Tras el gran Bliss of Solitude, Isole regresan aquí con un disco en la misma línea: un doom épico que parece recoger el fuego sagrado de la tradición de Candlemass y Solitude Aeturnus, pero que integra también ingredientes diversos, como partes rápidas y técnicas que recuerdan al progresivo o al death melódico, y toques de guitarra folk a la escandinava. Hay hasta un gran final en plan funeral doom, que es de los pasajes de ese palo más intensamente oscuros y emotivos que he oído. La voz limpia es precisa y diáfana como siempre, y los toques guturales son utilizados con mesura y en su justo lugar, como de costumbre. Tal como ocurría en el anterior disco, el nivel compositivo general de las canciones me parece bastante bueno, pero algunas destacan excepcionalmente; en este caso, "Dark Clouds" me levanta de la silla. Parecen tener la excelencia al alcance de la mano.

intro

El blog empieza aquí. El archivo dice que no, que en realidad empezó en 2006, pero eso es porque he recopilado cronológicamente todas las reseñas de discos que publiqué en un desaparecido blog anterior.

La música es un misterio, extrañísimo además si te paras a mirarlo, así que las cosas que uno diga sobre ella son una tontería, pero también puede ser un juego, si no te las tomas en serio. La idea principal es seguir escribiendo tonterías sobre la música que disfruto, ahora en un sitio fijo y con más asiduidad.

El título puede significar muchas cosas. Para mí, significa. Además, "hay muchas cosas que empiezan por D".

Gracias por leer, y siéntete libre de comentar, sugerir, criticar, o lo que te apetezca, como en tu casa.

Mirrorring, Foreign Body

(Kranky, 2012)

Es como un extraño sueño en varias escenas aparentemente inconexas que tienen, sin embargo, un hilo conductor común que no acaba de hacerse consciente. "Fell Sound" es la primera escena: flotas plácidamente en una neblina luminosa en la que se confunden la paz y la tristeza en las lánguidas reverberaciones de una melodía hermosa y atmosférica que se graba en tu memoria al instante, o tal vez la recuerdas de un sueño anterior. Tras la desnudez de "Silent From Above", el dream folk toma forma de nuevo en "Cliffs", una canción enigmática con interludios ambient y un fraseo de guitarra que te acompaña por un viaje difícil de concretar pero hermoso. El sueño se va desdibujando en abismos de melancolía a través de "Drowning the Call" y "Mine", hasta el oscuro aislamiento de "Mirror of Our Sleeping", tan simple como efectiva. En suma, un sueño agridulce, de innegable brillantez y belleza, al tiempo que casi doloroso en su tristeza somnolienta.

*

It's like a weird dream in several seemingly unrelated scenes that however, have a common thread that doesn't become conscious. "Fell Sound" is the first scene: you fleet peacefully in a luminous haze in which peace and sadness merge in the languid reverberations of a beautiful and atmospheric melody that is etched in your memory at once, or maybe you remember it from an earlier dream. After the nakedness of "Silent From Above", dream folk comes back in "Cliffs", an enigmatic song with ambient interludes and a guitar phrasing that goes along with you on a difficult to define but beautiful journey. The dream fades away in depths of melancholy through "Drowning the Call" and "Mine", until the dark isolation of "Mirror of Our Sleeping", simple but effective. In sum, a bittersweet dream of undeniable brilliance and beauty, while almost painful in its sleepy sadness.

[listen to "fell sound" / buy]

Kemialliset Ystävät, Ullakkopalo

(Fonal, 2010)

Imagínate una reunión de diminutos seres feéricos tocando música experimental. El resultado es, digamos, un free folk ultrararo y genial, capaz de mover tu punto de encaje y alinear otro mundo para tu percepción, una banda de emanaciones donde los más extraños seres inorgánicos que te puedas imaginar desfilan en un caos de vida multicolor que bulle ante tus ojos abiertos como platos, y de vez en cuando emerges un poco en el estado intermedio hacia la vigilia y sientes sus vocecillas armando alboroto ahí abajo, liberados por las plantas de poder que juegan con tu ser psicofísico durante un ratito, y vuelves a cerrar los ojos y te sumerges en el ecosistema incomprensible de millones de extrañas formas de vida, a veces juguetonas, a veces peligrosas, no te acerques mucho y observa muy atento, y poco a poco distingues una orquesta psicodélica tomar forma entre el desordenado torbellino de luces y tintineos y te imaginas que es una reunión de diminutos seres feéricos tocando música experimental.

MGMT, Congratulations

(Sony, 2010)

Es primavera, los rayos del sol alejan el invierno y te resuenan, despertando posibilidades demasiado tiempo dormidas: la alegría y el asombro y la energía y las ganas de hacer cosas y de mirar a tu alrededor con una sonrisa. Mientras conduces, suenan "It's Working", "Flash Delirium", "Siberian Breaks" o cualquiera de los temazos de Congratulations, y seguramente vibran en una frecuencia muy próxima a la de esos rayos de sol en tu vivir, porque suenan a paraíso e intensifican la sensación de primavera, de vida, de maravilla y de juventud. Uno puede pensar esto y aquello, preferir o criticar, pero la música es un misterio extrañísimo. Cada vez que lo oigo, es de nuevo primavera, conduzco con las ventanillas bajadas y brilla el sol, y hay un montón de cosas maravillosas por delante; lo mejor está por llegar.

Isole, Born From Shadows

(Napalm, 2011)

Isole siguen produciendo un doom épico de alta calidad, con raíces en la tradición candlemassiana al tiempo que abierto a recursos de otros estilos y con un sello personal cada vez más claro. En este caso, se nota una mayor influencia del death doom en la instrumentación y en la melodía, y me parece percibir más variedad, complejidad y riqueza en la interpretación de toda la banda. Uno de los aspectos donde más se nota el progreso es en el trabajo del vocalista. Su voz límpida y potente me suena más audaz, más capaz de transmitir. Aunque no acabo de reconocer el par de claros temazos que suelo encontrar en sus discos anteriores, hay una gran calidad en el conjunto, y algunos pasajes muy emotivos, aquí y allá. Así pues, dentro de su estilo conservador, Isole muestran aquí un progreso notable en ciertos aspectos, exploran un poquito y continúan haciendo lo que les gusta, eso creo que se nota.

Natural Snow Buildings, The Centauri Agent

(Vulpiano, 2010)

Documento sonoro de la vida en las estrellas, interpretación musical de sus misterios incomprensibles, viaje chamánico a través de los caminos inexplorados del universo. El folk mágico de Natural Snow Buildings suena aquí, por tanto, cósmico y celestial ante todo, en su empeño por contar, por ejemplo, la historia de la construcción de un palacio en medio de la oscuridad del espacio y la posterior asamblea de estrellas que en él se celebró hace incontables eones, de los amores y las penas de los seres eternos que allí se reunieron, de la belleza, la luminosidad, el misterio y los sueños. Uno puede escuchar incluso señales de radio del futuro remoto de una Tierra que aún no había despertado a la vida. Todo eso, o aquello adonde te lleve tu imaginación.

[escucha y descarga gratuita en el bandcamp de vulpiano]

Flying Lotus, Cosmogramma

(Warp, 2010)

Fiesta multidimensional. Algo así como esas fiestas que deben de montarse los ricos de la Red de Mundos en el siglo XXVIII, en sus lujosas y exóticas residencias multimundo, con portales teleyectores abiertos entre las habitaciones, una en Centro Tau Ceti, otra en Vector Renacimiento, terracita en Alianza-Maui y el baño en Mare Infinitus... Pasando con mucha prisa de estancia en estancia (¡no hay tiempo!, ¡no hay tiempo!), con invitados de lujo a la moda semanal. En fin, una fiesta divertida y fugaz, que disfrutas a lo grande mientras pasa pero recuerdas con dificultad a la mañana, tal vez por la resaca.

[escucha "do the astral plane" / warp]

Windy & Carl, We Will Always Be

(Kranky, 2012)

Relajante, cálida, luminosa colección de drones a base de guitarra y sintetizador, el nuevo trabajo de Windy & Carl está imbuido del amor que acostumbran a transmitir con su arte. Esta vez, el trasfondo es si cabe más claro en este sentido, por ser un disco en un principio concebido como regalo, de él a ella. Tal vez por eso, por ser de algún modo una celebración del amor, en los momentos más plácidos y contemplativos esta música suena casi curativa. Las variaciones son mínimas, casi limitadas al número de composiciones que forman el disco, de modo que la gracia está en disfrutar de cada estación sin prisas, ahondando con ellos, de su mano, en su mundo de ternura, de sinsabores con final feliz, de asombro y felicidad melancólica.

[escucha "remember" / te lo cuentan ellos / kranky]

Natural Snow Buildings, Waves of the Random Sea

(Blackest Rainbow, 2011)

El folk de Natural Snow Buildings parece imbuido de energías telúricas y cósmicas, y sus dos artífices parecen tener una sabiduría innata para manejarlas, equilibrarlas, explorar con ellas espacios que, aunque parezcan de otro planeta y tal vez lo sean, tienen corazón. Y si esta música tiene corazón, es humana. Tal vez refleje partes invisibles del ser humano, regiones no cartografiadas de un mundo de fuerzas sutiles y símbolos vivientes, pero siguen siendo humanas y conservan, por tanto, la capacidad de conmover el corazón humano y hacer soñar, dar alas a la imaginación. Escuchar a Natural Snow Buildings es siempre escucharles en la intimidad, no importa la hora o la situación, porque parecen haber aprendido el arte mágico de hablar al corazón y a la imaginación: hablarle del aroma fresco de la tierra del bosque tras la lluvia, de los seres misteriosos y las puertas a otros mundos que se esconden entre los árboles. Esta pareja de brujos parece tener contacto directo con ese mundo y una gran habilidad para expresarlo a través de discos siempre interesantes, siempre nuevos y equilibrados. Cada segundo de música está ahí porque debe estar, si dejas que te hablen en su idioma.

[escucha "this ice fortress" / blackest rainbow]